Beatriz Llorente

Beatriz Llorente, que aporta su cuerpo y su alma al personaje de Sonia en "Nada de nadie", ha colgado su vídeo-book en youtube, por aquí:

REVCYL

Nos mencionan en la web de REVCYL que, según reza su cabecera, es una " Revista de Información General sobre la Comunidad de Castilla y León. Única revista dedicada a las nueve provincias de esta región" y con cierto suspense, que saben más de mí de lo que yo les he contado.

Las 20 reglas del cine independiente

Ted Hope, productor de Hal Hartley ("Fay Grimm"), Iñárritu ("21 gramos") y Todd Solonz ("Storyteller") nos cuenta en su blog las 20 normas de obligado cumplimiento para triunfar en esto del cine. A saber:

1.- Consigue 5.000 fans antes de empezar a rodar.

2.- Determina cómo entretendrás a tu audiencia.

3.- Genera suficiente contenido extra.

4.- Mantén al día a tus seguidores.

5.- Pon ejemplos de cosas que te gustan.

6.- La distribución se trabaja desde el día 0 de la pre-producción.

7.- "Transmedia" y "cross-plataform" son palabras que deben sonarte.

8.- Toma nota de la competencia más cercana.

9.- Crea una web que ofrezca algo más que simple información.

10.- Vende algo más que un DVD.

11.- Prepara contenido para hacer diferentes versiones del DVD.

12.- Un póster nunca es suficiente.

13.- Un tráiler nunca es suficiente.

14.- Determina a las 100 personas que consideres VIP para tu película.

15.- Decide quiénes y cuándo podrán participar en la película.

16.- ¿Cómo puede ser tu película algo más que una película?

17.- Ellos traen amigos y tú, ¿qué les ofreces?

18.- No es necesario reinventarse cada película.

19.- ¿Qué tiene de original tu promoción?

y 20.- ¿Cederás lo que hayas aprendido a otros?

Puedes copiar-pegar y hacerte un póster para la habitación. Yo ya lo he hecho ;)

Cortinilla

nadadenadie from JU! on Vimeo.

Jon Juárez ha subido a Vimeo la cortinilla que manufacturado (no es broma, cada una de las burbujas está tallada a mano) para los créditos de la película.

Facebook

Me rindo. Al final hemos tenido que abrir un grupo en feisbuk, que si no parece que no existes. Aquí:

http://www.facebook.com/group.php?gid=200425358053

Modo de reprsentación primitivo

El concepto de Modo de Representación Primitivo fue introducido por Noël Burch en oposición al Modo de Representación Institucional, según él, la narración es sólo una posibilidad, uno de los caminos posibles de la Representación, una consecuencia de la influencia de múltiples factores culturales y sociales, no un presupuesto, o una condición necesaria.

Aún así, el Modo de Representación Primitivo no es un grado inferior o no evolucionado del Modo de Representación Institucional. Por el contrario, es otra forma de organización, todavía no regulada por las formas de producción industriales de la representación.

Características / códigos:

1. En algunas películas hay telón de abertura y clausura (un telón que más tarde se transformará en los fundidos cinematográficos).

2. El espacio visual del encuadre es igual al espacio visual escénico.

3. Las leyes del espacio son idénticas a las que rigen para la escena, por ejemplo, entradas y salidas por los laterales.

4. La cámara está siempre a la misma distancia de los actores, frente al escenario, fuera de la acción, igual que un espectador sentado en la butaca de un teatro a la italiana. La mirada se dirige con procedimientos teatrales.

5. Las películas carecen de profundidad porque se ilumina para ver y el decorado no busca la perspectiva ni tiene en cuenta el ángulo de cámara. El trabajo del decorador se limita a colocar un fondo y a distribuir el mobiliario, siempre buscando una función decorativa, en lugar de ser contrapunto de la acción.

6. Muchos efectos y trucos provienen del teatro de magia.

7. Aunque el tiempo de la representación en el teatro es de dos horas y en el primer cine de unos diez minutos, hacia 1913, y gracias a la película italiana Quo Vadis?, los empresarios descubren que el público es capaz de soportar películas más largas, imponiéndose finalmente lo que se llama el largometraje, cuya duración es similar al de la representación teatral. También en el tiempo de la acción representada guardan ciertas similitudes. Por ejemplo, la película se rueda en el orden cronológico del texto escrito, ya sean unas líneas de guión o la adaptación de un clásico de la escena; la acción, como en el teatro, siempre ocurre en presente; y, finalmente, los letreros que señalan cambio de tiempo actúan de forma similar a las acotaciones en el texto teatral.

8. La unidad mínima narrativa es la escena, que se desarrolla en un decorado único. El montaje se articula como suma de cuadros sucesivos, si bien en las películas más primitivas, las pertenecientes al periodo 1895-1901, ni siquiera se centra la atención en la sucesión de esas escenas, sino en cada una de ellas como unidad. Los cambios de decorados se plantean entonces como cambio de cuadros, en lugar de ser prolongaciones de la acción.

9. Existe una gran polémica en torno a los códigos interpretativos. Por un lado, están quienes piensan que no se debe juzgar a los actores del teatro por sus apariciones en el cine, ya que aquella no era su forma de interpretar, sino la que creían más conveniente ante la falta de sonido. Por otro lado, están los que defienden que aquellos actores estaban sobreactuando porque interpretaban tal y como lo hacían en escena, olvidando que la cámara exigía un estilo más contenido. Por mi parte, he encontrado una gran similitud entre la forma de interpretar el melodrama y la del cine mudo. El estilo del melodrama de brazos en alto, largas miradas y palabras vocalizadas con énfasis es reconocible en el cine mudo.

10. Finalmente, para este cine aún son válidos los postulados teatrales de Meyerhold, según los cuales el actor es el elemento principal y la puesta en escena debe estar a su servicio.

Corto/pego de: Lo obvio y lo obtuso y Del teatro al cine.

Cita

Una cita cultureta, que me persigue, como los atascos:

"La infelicidad del hombre se basa sólo en una cosa: que es incapaz de quedarse quieto en su habitación".

Pascal.

Los de casa

También nos han enlazado desde pucela.teatro y "el gusanillo" no tiene mucho mérito porque jugamos en casa, pero eso no quita que estemos agradecidos.

También en Filmin

Como se nota que ya se ha acabado el verano y que todo el mundo está volviendo a eso que podríamos llamar la "normalidad". Las referencias al trailer siguen creciendo y desde hoy también estamos en Filmin, una gran comunidad de cineastas auspiciada por las "majors" Alta Films, Continental, Ikuna, El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo con un montón de vídeos, entrevistas e incluso una bolsa de trabajo. Y ahí estamos.

Sinergias - Cinetelia

He pasado muchos ratos leyendo las noticias y críticas de la web Cinetelia, y ahora resulta que hablan de "Nada de nadie". Todo un placer y un honor formar parte de esa "familia". Seguiremos informando.

La promoción

No se nos está dando nada mal la promoción de "Nada de nadie". En la columna de la derecha que se llama "Nos siguen" iré dejando todos los enlaces,pero de momento ya hemos salido en Notedetengas, el blog de Jorge Vallejo, El día de Valladolid, el Mundo de Valladolid, el blog de la asociación making off... y en los blogs hermanos de proyectohombre y los bodegogos.

Txantrea Juárez

Una entrevista en vídeo realizada a Txantrea Juárez hablando de la dirección de fotografía de "Nada de nadie":

Trailer

Copión

Ayer tocaba visionado del copión. La foto es de antes (que luego salimos con mejor cara), del almuerzo previo. Y a excepción de algunas cosillas puntuales que hemos de retocar, decidimos dar por concluída la fase de montaje. Pero no hemos acabado, qué va. Teodoro Marcos y Alberto Bellido siguen con la post-producción y etalonaje de las imágenes y los yokos siguen con la post-producción de audio. Eso sí, los demás nos podemos ir de vacaciones con los deberes hechos. Hasta la vuelta.

Grabando el off

Esta es la foto de Juan encerrado en la pecera de los estudios Dobro, en Casasola de Arión (tenkiu, Javi), grabando el off que necesitamos para terminar la película. Los Yokos también estaban, justo al lado del ventilador, que se las saben todas.

El montaje en la perspectiva del código

Copio-pego del blog de Carlos Talaga (http://carlostalaga.net/el-montaje-en-la-perspectiva-del-codigo/)

(...) El montaje es una disciplina que ha logrado crear unidades de significado, podemos entender sus códigos y crear composiciones complejas a nivel narrativo. (...) Lo interesante de esta situación es destacar que el montaje se ha construido cuando los efectos producto de la experimentación toman significado.

(...) El montaje dentro del lenguaje del cine ha ido acelerándose poco a poco con el paso del tiempo, en “La película que no se ve” de Jean-Claude Carrière se trata sobre el continuo incremento de velocidad de las imágenes, un plano que antes podía durar 30 segundos y mostrar una acción ahora es reemplazado por 3, 4 ó 5 tomas que aceleran el ritmo y nos mantienen “atentos”, para que no cambiemos de canal durante los anuncios, para que no nos aburramos. Pero además de la velocidad, el montaje también evoluciona en cuanto a los mecanismos de proyección, la forma en que las audiencias entienden las imágenes y el tipo de historias o eventos no-narrativos que pueden ser del uso común de los medios futuros.

Corten

Ayer (por fin) pudimos grabar el último plano que necesitábamos para la película. Juan González ("ventanita") puso nuevo rostro al personaje de Alfredo y terminó de redactar las "memorias" que Ricardo empezó a escribir allá por mayo del año pasado.

Del equipo cada vez quedamos menos: Patricia (que mira para otro lado), Sebas (en chandal, que por las noches tiene que volver a su sitio), Teo (probando probando) y los yokos (avergonzados y escondidos). Ninguno dice nada de la puesta en escena propuesta. Y ya se sabe que el que calla, otorga.

¿Por qué ser cineasta...

..., pudiendo ser novelista?

O al menos eso se pregunta Eric Rohmer en el prólogo a su libro "Seis cuentos morales". Y sigue:

"Hay otro motivo que obligaba a dar a los Cuentos una apariencia fundamentalmente literaria. Mi intención no era filmar unos acontecimientos en bruto, sino el relato que alguien hacía de ellos. Una de las razones por las que estos Cuentos se denominan "morales" es que están casi desprovistos de acciones físicas; todo se desarrolla en la cabeza del narrador. La presencia del comentario en primera persona se debe menos a la necesidad de revelar unos pensamientos íntimos, imposibles de traducir por la imagen o el diálogo, que de situar sin equívocos el punto de vista del protagonista".

Eric Rohmer habla del cine como de un "monstruoso devorador de argumentos, saqueando el repertorio del teatro, de la novela, de la crónica... sin poder ofrecer nada a cambio. Un texto cinematográfico en sí no vale nada: la puesta en escena es la reina, el texto servidor. Únicamente en la pantalla la forma de estos relatos alcanza su plenitud, aunque sólo sea porque se enriquece con un punto de vista nuevo, el de la cámara que ya no coincide con el del narrador.

Dostoyevski y Bataille

Hoy un post en inglés, que mola más. Copio-pego del blog "Surreal Documents" sobre la influencia que "Memorias del (o desde) subsuelo" ejerció en George Bataille:

"Chestov not only guided Bataille in his reading of Nietzsche, he initiated him into reading Dostoevsky. Everything suggests that this discovery was decisive. The young Bataille might be seen as 'Dostoevskian'; not only because of the explicit reference he made to the great Russian novelist in the sole remaining fragment of his first book W.C.; it may also be inferred by accounts from Métraux, according to whom Bataille wanted to follow the maxim 'everything is permitted' (echoing Dostoevsky's famous axiom 'nothing is true'), and Leiris. He first persuaded Leiris to read Notes From The Underground; in addition, Leiris depicts him at the time as 'frequenting dives and the company of prostitutes like so many heroes of Russian literature'. Leiris also suggests that the hero of Notes From The Underground influenced Bataille 'by his obstinacy in being what in popular terms one calls an "impossible" man, ridiculous and odious beyond limit'. Finally, Leiris portrayed the Bataille of 1924-5 as: 'impossible' certainly, debauched beyond a doubt, and a gambler like many of the heroes of Russian literature in general and Dostoevsky's in particular. Bataille gambled - often with money, and sometimes with his life at Russian roulette."

Los agradecimientos al rebuscador. Y si quieres leerlo entero sigue esta dirección:
http://surrealdocuments.blogspot.com/2009/03/dostoevsky-notes-from-underground.html

Ricardo Vicente

Este es el vídeo promocional de la obra de teatro "Cuarteto" de Heiner Muller. Dirigida por Ernesto Calvo y protagonizada por Blanca Herrera y Ricardo Vicente.

Fue el primer trabajo que Ricardo y yo hicimos juntos. "Nada de nadie" será el último. Ricardo falleció el sábado 7 de marzo. Han sido muchos buenos momentos hasta que su corazón (tan grande) ha dicho basta. Los que quedamos por aquí seguimos con pena y sacando fuerzas de flaqueza, pero seguimos.

La culpa y el castigo

Si hay un director que ejemplifica como nadie la culpa y el castigo ese es Abel Ferrara. Utilizando como nadie los clichés del cine de género es capaz de traspasar a sus personajes su obsesión sobre la auto-destrucción.

Abel Ferrara se regodea en los aspectos más violentos ya que, según él nos cuenta, “la redención del ser humano puede darse si previamente se ha descendido hasta lo más profundo del ser”. Por eso es tan difícil establecer en sus películas quienes son los buenos y quienes son los malos. Todos los personajes parecen inmersos en un infierno cotidiano y no hacen sino actuar en consecuencia. Esto llega a ser molesto para el espectador hasta tal punto de generar rechazo hacia una obra que, para muchos otros, resulta fascinante.

A mí me interesa la relación que Ferrara establece entre los espacios claustrofóbicos (como nuestro subsuelo) y los personajes que los habitan. Del mismo modo, nosotros hemos intentado centrar la película en un anti-héroe que cree haber llegado a un punto irreversible de degradación y encara un conflicto con una joven inocente de manera que hace nacer en él, el mecanismo de la culpa.

Jean Vigo

Jean Vigo hizo "A propósito de Niza" con la ayuda de Boris Kaufman, hermano de Dziga Vertov. Un cortometraje de media hora de claras influencias surrealistas que le sirve para definir la noción de “punto de vista documentado” con el que pretendía oponerse a la idea de objetividad del género documental anteponiendo el compromiso del autor, que impone su mirada a la hora de rodar y de montar. El propio Vigo lo explicó en un artículo de la revista Premier Plan (no. 19, Lyon, noviembre de 1961):

“Yo quería hablaros de un cine social más concreto y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno de investigación, afirmo que el tomavistas es el rey o al menos el presidente de la República. Ignoro si el resultado será una obra de arte, pero de lo que si estoy seguro es de que será cine. Cine. en el sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función. El señor que hace documentales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al Príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace cine documental es ese buen hombre lo bastante diminuto como para apestarse debajo de la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, será considerado como tal documento.

Por supuesto, el juego consciente no puede permitirse. El personaje deberá ser sorprendido por la cámara. De lo contrario, hay que renunciar al valor ‘documento’ de este tipo de cine. Y el fin último podrá darse por alcanzado si se consigue revelar la razón oculta de un gesto, si se consigue extraer de una persona banal y captada al azar, su belleza interior o su caricatura, si se consigue revelar el espíritu de una colectividad a partir de una de sus manifestaciones puramente físicas. Y esto con tal fuerza, que a partir de ahora la gente que pasaba a nuestro lado con indiferencia, se ofrece a nosotros a pesar suyo y más allá de las apariencias. Este documento social tiene que hacernos abrir bien los ojos. A propósito de Niza es sólo un modesto borrador para un cine de este tipo. En este film, por mediación de una ciudad cuyas manifestaciones son significativas, se asiste al proceso de unas ciertas gentes. En efecto, apenas indicados la atmósfera de Niza y el espíritu de la vida que allí se lleva ¡y en otras partes también!, el fin tiende a la generalización de groseras diversiones situadas bajo el signo de lo grotesco, de la carne y de la muerte, y que son los últimos estertores de una sociedad abandonada a si misma hasta darnos náuseas y hacernos cómplices de una situación revolucionaria".

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Y yo me pregunto: ¿se puede aplicar eso mismo a la ficción?

Veremos.

Desidia

...al borde del mar.

Atom Egoyan y el cine manierista

Al contrario que el común de los mortales, Atom Egoyan define "cine manierista" como aquel en que la cámara está muy presente en la puesta en escena y el espectador es consciente de la estructura narrativa y de la ubicación de los personajes. Dice el canadiense que todas las ideas formales son muy visibles, lo que puede ser exultante o insoportable, según el modo en que se domina esa alquimia. Hay algo casi perverso en el modo en que este tipo de cineastas observa la vida. Está sembrado de intenciones sospechosas o voyeuristas (y eso lo dice el responsable de "Exótica"). En este método, continúa diciendo, no hay nada anodino. Por ejemplo, hay toda una serie de consideraciones que se han de tener en cuenta antes de decidir mover la cámara. Personalmente, creo que todo movimiento de cámara debería ser una respuesta orgánica a un movimiento interno experimentado por el personaje. Esto concuerda con la teoría de que cada personaje reivindica un territorio y utiliza el espacio en función de ello.

"Me gustaría que los espectadores confiaran en mí", dice con cierto cinismo. "Tengo una historia que contarles, aunque aparentemente no lo parezca. Tienen que saber perderse ante mi película, aunque no entiendan nada. Más adelante todo tendrá sentido". "La reflexión sobre cualquier asunto pasa a un segundo plano cuando se representa de forma más intensa o dramática".

Víctor Erice

"Algunas de las transformaciones que más me afectan son las derivadas del absolutismo del Audiovisual. Desde sus orígenes, la imagen en el cine estuvo asociada al principio de realidad. Ahora, sin embargo, con su capacidad para poner cada día en circulación miles de imágenes por segundo, el Audiovisual ha transformado a lo real en una categoría tecnocultural cuyo peso se mide sobre todo en la pantalla del televisor, allí donde la imagen funciona como prueba. Pero, ¡ay!, demasiadas imágenes pueden aniquilar la imagen misma. Inflación o hipertrofia son efectos -trastornos, desajustes, si se prefiere- que produce en la imagen, cada dos por tres, esa industria pesada de nuestro tiempo que se ha dado en llamar Comunicación. La alucinación que provocan en las grandes masas de población es grave: confundir el ver y el saber. ¿Podemos hoy dar crédito a lo que nuestros ojos en las pantallas ven? Por otro lado, la industrialización de la imagen a escala planetaria otorga a los países más desarrollados el monopolio de las representaciones cotidianas de la realidad, agrandando las diferencias entre ricos y pobres. Con un efecto añadido: que la irrupción simultánea del dinero en la imagen y de la imagen en la persuasión colectiva contribuye a reabsorber el espacio cívico en el espacio económico. No es extraño, en definitiva, que, en lo tocante a las nuevas formas de relación con las imágenes, se hable de consumir, eco inequívoco de esa cosificación del ciudadano que el Mercado genera. La lucha por la supervivencia de la imaginación pasa, entre otras cosas, por la lucha contra el absolutismo del Audiovisual. Y en ese combate -desigual, sin duda- nos queda el consuelo de pensar que las imágenes verdaderas -es decir, justas, necesarias- no se consumen: ni ayer, ni hoy, ni mañana." (Cahiers du Cinéma España, Nº 1, mayo 2007).

Fassbinder

Sin ser uno de mis directores fetiche (me interesa más su personalidad que sus películas), he de reconocer que en "Nada de nadie" hay un hueco para Fassbinder. Me encanta la forma que tiene de mostrar la ansiedad y la desesperación de los personajes ante la fragilidad de la vida. Sus películas son tristes, amargas, pesimistas hasta la crueldad... Siempre se le ha reprochado (no seré yo) la evidente influencia teatral en la interpretación, pero su habilidad consiste en hacer con ello un cine de detalles, con planos estáticos, encuadres que no recogen toda la acción... Además, es un director muy de su época y eso, habiendo nacido en 1945, ya es decir mucho a su favor.